martes, 30 de noviembre de 2010

Magia y Soledad de Rembrandt

Rembrandt

Rembrandt es el nombre con que se conoce al pintor y grabador holandés Harmenszoon van Rijn (Leiden, 1606 - Amsterdam, 1669). Es considerado uno de los máximos exponentes de la pintura barroca europea del siglo XVII y es uno de los mayores genios de la historia del arte, aunque en su tiempo fue incomprendido y admirado a la vez. Su obra puede definirse como ecléctica y anticonvencional y mas allá de la técnica, su maestría se manifiesta sobre todo en el romanticismo, el misterio y la intensa emoción que transmiten sus cuadros.
En 1620 ingresó en la Universidad de Leiden, ciudad en la que fue discípulo de J. I. van Swanenburgh y J. S. Pynas, posteriormente (en 1624) viajó a Amsterdam, donde estudió con P. Lastman, quien influyó considerablemente en su obra.

Judas devolviendo las Treinta Monedas de Plata

Sus primeras obras, realizadas entre 1626 y 1631, parten de la escuela italiana y del manierismo romano y se identifican por su plasticidad y el colorido suave.

Tobías, Ana y el Chivo

San Pablo, en Prisión

Sansón, Traicionado por Dalila

La Presentación de Cristo en el Templo

Los grabados de este período denotan sobre todo la preocupación del artista por la expresión fisonómica y su interés por el desnudo femenino. 

Retrato de su Madre

Baño de Diana

Los efectos de luz que se advierten en sus obras revelan la influencia de Caravaggio y de Elsheimer. En 1634 se casó con Saskia van Uylenburgh y pintó una serie de temas religiosos.

Autorretrato con Saskia

Saskia con Sombrero

Descendimiento de la Cruz

Resurrección

Ascensión de Cristo

Rembrandt fue ante todo un humanista con profundo interés por la naturaleza y el espíritu del hombre. 

Paisaje con Obelisco

Paisaje en Tempestad

Tempestad en el Mar de Galilea

El período transcurrido en Amsterdam se divide en tres etapas: en la primera (1632-1642) abandonó el naturalismo y los claroscuros de épocas anteriores y desarrolló un estilo caracterizado por el equilibrio pictórico y la riqueza cromática que refleja la influencia de los principios formales del barroco, especialmente de Rubens.

La Lección de Anatomía del Doctor Tulp

Artemisa

La Novia Judía

De 1642 a 1655 abandonó la tradición barroca flamenca y se ocupó por dar un sentido más profundo a sus obras.

La Ronda de Noche

Cristo y la Adúltera

La Cena de Emaús

En 1642 murió Saskia y a partir de ese momento comenzó la decadencia material y familiar del artista, pero en el último período, comprendido entre 1656 y 1669, recibió importantes encargos.

La Lección de Anatomía del Doctor Deyman

Los Síndicos del Grupo de los Pañeros

El Regreso del Hijo Pródigo

Mujer Desnuda con una Flecha

Si bien en la culminación de su carrera artística Rembrandt gozó de una rica clientela que apreciaba su obra, a partir de su madurez todo empezó a cambiar. Su obra tan original y personal, comenzó a no ser entendida, y al final de su vida conoció la soledad y la pobreza, se vio obligado a vender sus propiedades y colecciones de arte y retirarse a una casa humilde.
La prosperidad económica y social en la que transcurrió la vida del artista durante la década de 1630-40 se refleja en sus autorretratos, en los que se muestra digno, confiado y altivo; pero a partir de 1642, a raíz de la muerte de su esposa, Saskia van Uylenborch, tras alumbrar a Titus, el único hijo de ambos, y debido a los crecientes problemas financieros causados por su vida ostentosa y disipada y por la disminución de encargos, Rembrandt transformó su obra y su carácter.
Sus cuadros adquirieron entonces profundidad, sencillez y humanismo, hasta el punto que, desde 1650, no volvió a pintar ningún paisaje, tema en el que fue un verdadero maestro por sus inquietantes atmósferas e intenso dramatismo. Ahora en los retratos aparecen los valores espirituales, el amor y la ternura. Pinta a su hijo y a Hendrikje Stoffels, mujer de fuerte personalidad que había entrado a su servicio, y con la que el artista convivió tras la muerte de su esposa. Hendrikje le sirvió como modelo en obras tan innovadoras como Betsabé.

Betsabé

Joven bañándose en un Arroyo

Se liberó de instrumentos formales lo que se tradujo en una creciente ligereza de pincelada; no dudaba en servirse de sus dedos como instrumento pictórico.
En 1658 fueron subastadas todas sus propiedades y Rembrandt tuvo que trasladarse a Rozengracht, el distrito más pobre de Amsterdam, alejándose física y espiritualmente de la vida mundana. Los temas religiosos le permitieron entonces mostrar el lado más trágico de su propia existencia. En 1663 falleció Hendrikje, y cinco años más tarde, Titus. Solo y sumido en la pobreza, Rembrandt no sobrevivió mucho tiempo a su hijo. Murió el 4 de octubre de 1669 a la edad de 63 años. Fue enterrado en una tumba anónima en la Iglesia Westerkerk de Amsterdam.

Iglesia Westerkerk de Amsterdam

Por su extraordinario talento compositivo, por la audacia de su técnica y por su personal interpretación de la luz es que Rembrandt se ha convertido en uno de los pintores más innovadores de la historia.

viernes, 26 de noviembre de 2010

Las Trillizas de Oro

Paseando por El Reino de la Fantasía y la Infancia al que siempre visito y recurro recordé a tres chicas angelicales y bellas: Las Trillizas de Oro.


La vida está hecha de pequeños y diarios eventos a los que no damos importancia pero con el tiempo formarán nuestro bagaje emocional. Estos recuerdos -entre miles otros- son el sol de mi vida y están anclados profundamente en mi alma, ¿cómo olvidar mi infancia? Yo adoraba a estas muñequitas de porcelana y organizaba "funciones" en casa con mis primas imitando a María Laura, María Emilia y María Eugenia Fernández Rousse, las hiperdivinas trillizas. Mi mamá y mi abuela eran las sufridas espectadoras pero disimulaban muchísimo y hacían como que les encantaba, nos aplaudían y nosotras, chochas.
Sus voces y su belleza recorrieron el mundo y su mejor momento fueron las décadas del '70 y '80; empezaron desde muy chiquitas y fueron el coro más lindo que -para mí- tuvo Julio Iglesias y esa época también fue el mejor momento de él.



Dicen que donde hay música hay belleza y creo que con las inolvidables Trillizas ya no se puede pedir más, ellas me encandilaban.


También recuerdo que hacían la propaganda del Shampoo Roby y la canción decía: "Roby, Roby es mi mejor shampoo! con los shampues Roby vos podés tener siempre, siempre el pelo ok! y vos podés elegir, son todos naturales y divinos y geniales!" y adivinen qué. Bingo! sí, yo hacía la publicidad frente al espejo. Fueron los años maravillosos, alegraban mi infancia con su mágico encanto.


La canción "Verano Feliz" es una pequeña y dulce melodía y en su momento me representó mucho. A cada paso tenía una ilusión y ellas me transmitían paz y amor.


Las idénticas niñas doradas, con gran delicadeza y dulzura, marcaron una época en mi vida muy vibrante y especial. Tres perlas preciosas que le ponían alas a mi corazón.

martes, 23 de noviembre de 2010

Confucio, la Bondad y la Música

Confucio es el nombre latinizado del filósofo y reformador chino K'ung Fu Tzu  y quiere decir Venerado Maestro Kong. Vivió hacia 551-479 a.C. y fue originario del país de Lu, actualmente Shandong.
El emblemático filósofo creció en la pobreza pero se ocupó de adquirir una buena educación dedicándose a meditar y reflexionar sobre la herencia cultural china. Ocupó varios cargos en la administración y se dedicó al estudio de las leyes y, aunque afirmaba transmitir fielmente la tradición, hizo una reinterpretación personal de los textos dejando una poderosa doctrina moral pero no dejó obras escritas, sus enseñanzas fueron recogidas y elaboradas por sus discípulos.
El maestro creía que se debía promover la paz y el buen gobierno mediante la reafirmación de las virtudes de quien gobernara y hablaba de la importancia del "buen ejemplo"; asimismo pensaba que el atributo fundamental del ser humano reside en sus cualidades éticas que debían fomentarse a través de la educación y la disciplina, y decía: "Gobernad con la ley, mantened el orden con el castigo, y el pueblo obedecerá sin experimentar vergüenza alguna. Gobernad con la virtud, armonizadla con el ritual, y el pueblo conocerá la vergüenza y caminará por sí solo hacia el Bien. El gobierno es bueno cuando hace felices a los gobernados y atrae a los que viven lejos".

Confucio

El gran consejero tradicionalista que fue Confucio hacía mucho hincapié en la educación y en el poder unificador de los ritos, creía que "las buenas relaciones de estado comienzan a formarse en el hogar", entonces pensó que lo mejor de las personas -y sobre todo de los jóvenes y niños-  podía incentivarse a través de la música melodiosa ya que creía que es un valor que se traslada a las relaciones sociales; y afirmó que cuando en una sociedad "prevalece una música lasciva, excitante y perturbadora, sabremos que el pueblo es inmoral", por el contrario si "predominara una música armónica, suave, lúcida y serena sabremos que el pueblo es amable y cariñoso".
Es decir que para Confucio música y sociedad están íntimamente relacionadas, tanto que la preferencia por una u otra melodía puede llegar a revelar el carácter de un pueblo, volviéndose profética.
Yo estoy muy de acuerdo con su idea, la música es la mayor expresión del alma, se trata de emociones, de identificación, de si tiene que ver o no con uno. Puede elevarnos o sumergirnos.
Por su legado moral, por su gran sabiduría, porque despertó en los jóvenes el amor por la filosofía y la historia es que algunas décadas después Confucio recuperó gran notoriedad; tanta que llegó a ser venerado y casi divinizado por sus discípulos que lo evocaban interpretando dulces melodías.

viernes, 19 de noviembre de 2010

Batalla de La Vuelta de Obligado

El 20 de noviembre de 1845 las fuerzas navales y terrestres de la Confederación Argentina enfrentaron a una flota anglo francesa en La Vuelta de Obligado, un recodo donde el Río Paraná se angosta, a 18 kilómetros al norte de San Pedro en la Provincia de Buenos Aires y que se volvió célebre por dicho enfrentamiento militar.

Recodo de La Vuelta de Obligado

Detalle

La intervención extranjera se realizó con el pretexto de lograr la pacificación ante los problemas existentes entre Buenos Aires y La Banda Oriental, pero la verdadera razón era que los ingleses consideraban perjudicado el comercio que mantenían con la ciudad sitiada (Montevideo) y el libre tránsito por el estuario del Plata y los ríos interiores ya que vieron amenazada su decisión de ampliar sus mercados mas allá de los marítimos. Por su parte los franceses adujeron que la intervención argentina en los asuntos uruguayos contrariaba lo estipulado en el tratado Arana-Mackau. Gore Ouseley, representante de Inglaterra, y el Barón Deffaudis, representante de Francia, exigieron que Rosas levantara el sitio de Montevideo y retirara sus tropas del Uruguay. Felipe Arana, ministro de Rosas, contestó que no aceptaría ninguna proposición mientras las flotas inglesas y francesas trabaran el bloqueo de las naves argentinas a Montevideo.
Francia e Inglaterra declararon el bloqueo de los puertos argentinos y ocuparon la isla Martín García. Para proteger el intercambio comercial con Paraguay y Corrientes la escuadra anglo francesa controlaba la navegación en el Río Paraná. A fin de impedirle el paso el Brigadier General Don Juan Manuel de Rosas -que tenía un gran sentido del patriotismo y la soberanía- se dispuso a darles batalla a pesar de la inmensa diferencia en armamento y experiencia de sus combatientes e hizo instalar baterías en La Vuelta de Obligado y nombró a su cuñado, el General Lucio N. Mansilla, jefe de las tropas allí instaladas.
Gruesas cadenas fueron tendidas de costa a costa para obstruir la navegación de los grandes buques. Cuando los extranjeros avanzaron, Mansilla ordenó la defensa y proclamó a la tropa:"¡Allá los tenéis! Considerad el insulto que hacen a la soberanía de nuestra Patria al navegar, sin más título que la fuerza, las aguas de un río que recorre por el territorio de nuestro país. ¡Pero no lo conseguirán impunemente! ¡Trémola en el Paraná el pabellón azul y blanco y debemos morir todos antes que verlo bajar de donde flamea!". Finalmente, el 20 de noviembre de 1845 se efectuó el combate de Obligado, donde las fuerzas de Mansilla tuvieron heroica actuación, pero después de algunas horas de lucha los extranjeros lograron forzar la navegación y avanzaron, aunque fracasaron en sus intenciones comerciales. Los argentinos dieron mucha pelea en su heroica y abnegada defensa pero la superioridad de las flotas extranjeras era mucho mayor y nuestros soldados fueron derrotados en las costas del Río Paraná; también los principales jefes argentinos fueron heridos en combate.
Tuvimos 250 muertos y 400 heridos y los invasores tuvieron 26 muertos y 86 heridos. Al grito de "Viva la Patria!", la Banda de Música del Regimiento Nº 1 de Patricios por orden del General Lucio Norberto Mansilla, tocó el Himno Nacional Argentino, que por la rabia y el dolor se coreó a gritos. El 27 de noviembre Rosas decretó que sería considerado acto de piratería y tratado como tal a todo barco extranjero que navegara el río Paraná. Luego, fracasaron varias tentativas de arreglo pacífico, pero en 1847 se produjo un desacuerdo entre ambas naciones extranjeras: Inglaterra retiraba su escuadra, pero Francia continuaba el bloqueo. Por fin, en agosto de 1850 se firmó el protocolo Arana-Lepredour, que puso fin al conflicto. El General Don José de San Martín, muy emocionado, dijo en unas cartas que la Batalla de Obligado "habia sido tan importante como las jornadas de Mayo para nuestra independencia" y por esta nueva epopeya argentina, al morir legó su sable libertador a Rosas por su defensa de la soberanía.
Esta es la historia de lo que conmemoramos el 20 de noviembre, y lo recordamos como el Día de la Soberanía Nacional.


La siguiente Oda Patriótica Federal fue recitada en el Teatro de la Victoria la noche del 5 de noviembre de 1845:  

"Se interpone ambicioso el extranjero,
su ley pretende al argentino dar,
y abusa de sus naves superiores
para hollar nuestra patria y su bandera,
y fuerzas sobre fuerzas aglomera
que avisan la intención de conquistar.

Morir antes, heroicos argentinos,
que de la libertad caiga este templo:
¡daremos a la América alto ejemplo
que enseñe a defender la libertad!"

Vicente López y Planes

lunes, 15 de noviembre de 2010

Lo Esencial es Invisible a los Ojos

El Principito

"Y las rosas se mostraron muy molestas.
-Son realmente hermosas, pero vacías- añadió el principito-. Uno se siente impulsado a dejarse morir por ustedes. Cualquiera pensará que mi rosa se parece a ustedes; pero ella sola es para mí más importante que todas ustedes juntas, porque ella es la que he cuidado y regado; ella es la que cubrí con el globo de cristal; ella es la que guardé con el biombo; ella es la que libré de las orugas que le molestaban, dejando sólo aquellas que se volvieron mariposas; es ella la rosa que oí quejarse, alabarse o mantenerse callada. En fin, ella es mi rosa.
Y volvió hacia donde estaba el zorro.
-Adiós- le dijo.
-Adiós- repuso el zorro-. He aquí mi secreto. Es muy sencillo. Consiste en que no se ve bien sino con el corazón, pues lo esencial es invisible a los ojos".

Este es el famoso pasaje de la fábula infantil El Principito (Le Petit Prince), es un texto de gran valor poético y aparentemente sencillo que trata de las relaciones sobre las que se asientan la amistad y el amor. El cuento trata de un principito que es el único habitante de un pequeño planeta, del que escapa para huir de las discusiones con una rosa de la que estaba enamorado. Tras un largo peregrinar por seis planetas, llega a la Tierra donde encuentra un jardín de rosas, igual que la suya, que él creía única.
Es una alegoría y una valoración de la vida, una búsqueda de los valores del hombre y de los más puros sentimientos del alma en pleno clima de Guerra Mundial. Éste es el más conocido cuento del escritor francés Antoine de Saint- Exupéry (Lyon, 1900 - Sahara?, 1944) pero todas sus obras están basadas en sus experiencias como piloto de las fuerzas aéreas francesas y como aviador civil, y todas hablan de la "acción heroica".
En 1940 Saint - Exupéry se enroló en las fuerzas de liberación dirigidas por el General De Gaulle y desapareció durante una mision aérea quedando para siempre envuelto en la evocación romántica de la disciplina del vuelo, que exige el cumplimiento del deber aún cuando se arriesgue la propia vida.

domingo, 14 de noviembre de 2010

Un Premio Floral

Hoy recibí una grata sorpresa de mi amiga Nela. Ella me hizo el honor de entregarme esta hermosa y delicada florcita que recibo con mucho cariño!
Nela es dueña del blog La Portería de Nela, un sitio gracioso, divertido e irreverente y -junto a Mar- hace Ábaco de Colores, un blog cálido, atento y solidario.
Los invito a todos a que pasen a visitarlos, les aseguro que la van a pasar muy bien!
Nela, un abrazo y muchas gracias!

martes, 9 de noviembre de 2010

Rock Nacional Argentino, un Gigante Manantial de Obras Maestras

Rock Argentino, Rock de Acá

Desde mediados de los años '60 en Argentina tomó mucha fuerza el rock, con letras que preocupaban a los jóvenes de ese momento aquí este ritmo tomó características y sonido particulares representando a un tipo adolescente disconforme y transgresor. Fue -junto a México- uno de los primeros en ser cantado en español y se transformó en un éxito rotundo dentro y fuera del país, se lo conoce como Rock Nacional Argentino, rock de acá.


Allá por el año 1955 surge en EE.UU. la figura de Bill Halley provocando un furor inusitado entre los jóvenes; en el año '58 la gran estrella llega a Buenos Aires y despertó un gran interés entre los músicos argentinos. Hasta ese momento en Argentina existía otra corriente musical que se conocía como La Nueva Ola y tenía gran éxito con Palito Ortega a la cabeza, ellos se basaban en letras románticas y de influencia italiana, entonces estas dos corrientes empezaron a rivalizar. Los jóvenes rockeros se oponían a lo establecido y a las "canciones tontitas" que no los representaban y vieron en este nuevo ritmo musical el vehículo para expresar las propias vivencias, los temas que los preocupaban y su ideología en nuestro propio idioma.


Por el año '56 inician esta historia Eddie Pequenino con su grupo Mr. Roll & The Rockets, le sigue el fulgurante éxito de Billy Cafaro con su tema Pity Pity; ya en la primavera del '61 suena con todo Vuelve Primavera de Armando Trejo vendiendo 1.000.000 de discos en poco tiempo.
Johnny Tedesco tuvo un gran éxito y se proyectó incluso en el exterior.
En 1963, Roberto Sánchez arma el grupo Sandro y Los de Fuego, con la estética de Elvis Presley y "rompe todo", haciendo delirar a las mujeres y logrando que el rock se instalara definitivamente, pero fue tildado de "grasa" por la clase media. Luego abandona el rock pasándose a la música melódica. Fue muy reivindicado a partir de los '90.


Los pioneros de un rock más contestatario y rebelde fueron Tanguito, Moris, Javier Martínez -creador de Manal-, Pajarito Zaguri y Miguel Abuelo entre muchos otros, que tocaban en circuitos no comerciales y se reunían a tocar y componer en un local llamado "La Cueva" o en la pizzería "La Perla" del barrio de Once.


En el '67 aparece el grupo Los Gatos, con Litto Nebbia a la cabeza, y logra imponer sus hits "La Balsa" y "Ayer Nomás", dos temas que le dieron un gran impulso al rock nacional.
Más tarde se forma el grupo Almendra, del gran Luis Alberto Spinetta -muchos recordarán su éxito "Muchacha, Ojos de Papel"- y Arco Iris, del compositor y músico argentino Gustavo Santaolalla, ganador de 2 premios Oscar. Todos tenemos en la memoria colectiva a sus hermosas "Mañanas Campestres".


Disuelto Almendra, Spinetta formó el grupo Pescado Rabioso y los demás miembros formaron Color Humano y Aquelarre. Pedro y Pablo fue un dúo compuesto por Miguel Cantilo y Jorge Durietz, creado en 1968 y sus temas no han perdido ni un segundo de vigencia.


También se destacó el legendario grupo Vox Dei con su álbum La Biblia, una ópera rock atemporal.
A partir de aquí el rock se diversificó y tornó a un rock más pesado, más heavy apareciendo el grupo Pescado Rabioso, Billy Bond y La Pesada del Rock, y se destacó Pappo's Blues que combinó blues y metal. Estos grupos marcaron el pulso de los inicios del rock argentino.


Hacia 1972 cobra popularidad el rock acústico con grupos como Alma y Vida, Vivencia y Pastoral.
Por esta época también surge el dúo más exitoso, con música para adolescentes y temas de "fogón": Sui Generis -formado por Charly García y Nito Mestre- y Pastoral, ambos lograron fama en el exterior.


Roque Narvaja fue el líder y fundador del grupo La Joven Guardia y hacía música beat, despues viró más al pop. Sentimiento y letras llenas de contenido. Roque es nuestro privilegio.


Paralelamente, hacia el año '75, estaban surgiendo en los circuitos underground grupos experimentales más sofisticados, el primer gran grupo fue Crucis, luego llegó Invisible -tercera agrupación de Spinetta- y Charly García formó La Máquina de Hacer Pájaros, hacían rock progresivo y sinfónico.
En el año '76 los rockeros eran mal vistos por los militares pero el rock siguió adelante con músicos como Vox Dei y Pappo's Blues.
En el '77 nace en la ciudad de La Plata la banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota con un estilo muy particular. Con el tiempo se convertirían en una de las bandas más importantes del rock argentino convocando multitudes donde sea que toquen.


En el '78 el super Charly García creó Serú Girán, otra maravilla. A mí me parece lo mejor de lo mejor, sus temas son vivencias para oir con el corazón.


En los comienzos de los '80 terminaría el rock sinfónico y progresivo. Vox Dei cumplía su tercera década y crecía la figura de León Gieco. Spinetta tenía su nuevo grupo Spinetta Jade que fusionaba jazz y rock, mezcla bastante infrecuente aunque después viró más hacia el pop.
Hacia el final de la dictadura, con la derrota de Malvinas, paradójicamente el rock cobró un inesperado realce ya que se había prohibido escuchar música en inglés.
Aparecen un montón de bandas influenciadas por el post punk, el new wave y se revitalizan Los Redonditos de Ricota transformándose más tarde en banda de culto.
Surge -de La Plata también- Federico Moura y su magnífico grupo Virus.

 

Y cómo iba a faltar la banda más renombrada del rock iberoamericano: Soda Stereo, con reminiscencias de post punk inglés. Acá, mi tema favorito.


Nacen grupos de dark rock como Los Violadores.
Miguel Abuelo crea Los Abuelos de la Nada grupo que integraba un jovencísimo Andrés Calamaro y dan comienzo al pop-rock, con temas más bailables. Qué bandas increíbles... todos músicos super talentosos. Personalmente creo que los '80 dieron las mejores bandas.


Miguel Mateos crea Zas, hace música fuera de serie y es la gran joya de los '80. Debería hacerle un pedestal a este gran capitán, un gladiador del rock.


En Mendoza surgen Los Enanitos Verdes.
Y no puedo obviar a Luca Prodan, un italiano que tuvo muchos seguidores que lo veneran hasta hoy. Él formó la agrupación Sumo. Se dice que Luca Not Dead.


Pappo, siempre dentro del estilo heavy metal, fundó Riff. También dentro de ese estilo surgieron V8 y La Torre.
Surge una movida rosarina muy importante con músicos muy talentosos que siguen estando vigentes como Fito Páez, Juan Carlos Baglietto y Silvina Garré.
Se presentan con gran éxito Alejandro Lerner y Celeste Carballo.
Fabiana Cantilo se revela como la gran voz femenina del rock nacional y se crean grupos muy divertidos como las chicas de Viuda e Hijas de Roque Enroll y Los Twist.
Miguel Zavaleta crea Sueter y toca su divino e inolvidable "Amanece en la Ruta".


Antiguos grupos se volvieron a juntar, mientras que Charly García y Luis Alberto Spinetta siguieron como solistas. A partir del '83 alcanza gran difusión León Gieco con su ya himno "Sólo le pido a Dios".
A mediados de la década las nuevas bandas ya no se parecían en nada a las anteriores, aparecieron los G.I.T., trío formado por Guyot, Iturri y Toth.
Los Fabulosos Cadillacs -introducen el ska-, Los Pericos -cantaban reggae en inglés- y Los Auténticos Decadentes, éstos más onda murgueros y todos super exitosos. Representan un tipo de rock tropical.


Rata Blanca lideraba el heavy metal junto con Attaque 77 que también tuvo muchísimo éxito con su tema "Hacelo Por mí". En fin, el rock nacional llegó a su climax, los grupos y tendencias se multiplicaban y todo era fervor y alegría.
Los Ratones Paranoicos crearon un subgénero inspirados en los Rolling Stones, el "rock rollinga".
En 1987 Hilda Lizarazu surge como principal vocalista y teclista del grupo Man Ray.
La Renga tuvo éxito masivo a fines de los '90, los años en los que el punk y el heavy metal trascendieron hacia la masividad, como lo hicieron Dos Minutos y Todos Tus Muertos.
También vieron el surgimiento de A.N.I.M.A.L. (Acosados Nuestros Indios Murieron Al Luchar). En sus canciones defendían a las comunidades aborígenes y el nacionalismo, mientras que también criticaban al actual orden mundial. Su sonido combinaba el hardcore punk, el heavy metal y el thrash. La desaparición de Hermética, dio como resultado el surgimiento de Almafuerte, una de las más populares de la actualidad.
No puedo dejar de mencionar a la muy importante Bersuit Vergarabat, a Los Piojos, a Ratones Paranoicos, Mancha de Rolando, Los Caballeros de la Quema, Viejas Locas banda rollinga que tenía a Pity Alvarez como voz cantante y que, entre otras bandas barriales, dominaban la escena musical. Fue una década muy creativa.



Con el rock alternativo Babasónicos fue el único grupo que pudo sobresalir y establecerse. Illya Kuryaki and the Valderramas, mezclaban el hip-hop con novedosa tendencia estética. Turf, con Joaquín Levinton hacen pop rock "rollinga", estilo que a partir de los '90 se volvió masivo.


Todo el tiempo aparecen bandas nuevas, y sé que me quedan miles sin nombrar como pueden ser Arbol, Massacre, Catupecu Machu, Los Tipitos o Miranda!, Las Pelotas, Kapanga, Nonpalidece o Divididos. En fin, el panorama es muy variado y ecléctico.
Los festivales se multiplicarán este verano por todas partes, es que se trata de un género musical muy convocante. Y todos tienen algo interesante que decir porque por suerte hay mucho talento. La máquina de la grandeza creativa sigue y sigue, hay rock nacional para rato.

jueves, 4 de noviembre de 2010

Antoni Gaudí. Fantasía, Fervor Religioso y Talento

Antoni Gaudí

El arquitecto español Gaudí (Reus, 1852 - Barcelona, 1926) es uno de los máximos representantes del modernismo, y es el creador de una fantástica arquitectura escultórica, en la que utiliza volúmenes y superficies onduladas. Sus obras son todo un hito, por eso los invito a revisar juntos su apasionante vida.
Antoni fue el quinto y último hijo de un fabricante de calderos de Reus. Su familia era muy humilde por lo que tuvo que comenzar a trabajar y empezó como aprendiz en una fábrica de hilados y tejidos de algodón. Según se cuenta, el dueño de la fábrica descubrió un día al niño leyendo un libro de aritmética, y al observar las dotes que tenía para el estudio, lo ayudó para que entrara a los once años, en el colegio de los Padres Escolapios de Reus, que era gratuito y funcionaba gracias a donaciones particulares. En aquel colegio, el joven aprendió la geometría de Euclides, la mecánica de Newton y las ciencias naturales de Linneo. Pero no fue un buen estudiante, le costó mucho esfuerzo aprobar el bachillerato, quizá porque su carácter, independiente y taciturno, no se amoldaba a la disciplina académica. Cuando terminó la secundaria, se fue a Barcelona a estudiar arquitectura. Sus calificaciones universitarias tampoco fueron brillantes, su ritmo de trabajo era demasiado parsimonioso como para tener los trabajos a tiempo pero como nunca dejó de cuidar todos sus proyectos con detalle los encargos no le faltaban. Uno de sus primeros trabajos importantes fue el diseño de una cooperativa obrera en Mataró. Gaudí, muy sensible a las penosas condiciones de los obreros de las fabricas, se implicó por completo en el diseño de las treinta casas de esta colonia, individuales y con su propio jardín, mostrando un idealismo que le hacía buscar las mismas comodidades para la gente humilde que para los poderosos. Se dice que durante esta época estuvo enamorado de la maestra de la cooperativa, Pepita Moreu, pero esta relación no terminó en boda ya que ella lo rechazó. Tras esta decepción, el joven arquitecto continuó soltero toda su vida, ocupándose de su padre y de Rosa, la hija de su hermana fallecida. Su círculo de conocidos había ido en aumento. Entre ellos hay que destacar al hombre que lo ayudó a dar el salto definitivo, el arquitecto Joan Martorell i Montells. Gaudí había sido su ayudante y de él aprendió a resolver los problemas de equilibrio de las construcciones mediante la geometría, ahorrándose así las fórmulas matemáticas, que nunca fueron su fuerte.


 
A traves de Martorell conoció al cliente que le abriría las puertas de las familias más distinguidas de Barcelona, el rico empresario Eusebio Güell. El primer encargo que le hizo Güell fue la realización de una casa de recreo en la finca que tenía su suegro, el marqués de Comillas, en Santander. Gaudí tomó el encargo e hizo gala de toda su inventiva dentro del estilo historicista, mezclando los estilos gótico y mudéjar. Al mismo tiempo comenzó a renovar la casa de los Güell en Barcelona. Tiró la fachada y levantó una nueva, muy sobria, con una llamativa puerta doble construida con arcos en forma de cadena, frecuentes en todos sus edificios por su gran resistencia. Güell quedó encantado con la fachada llena de cristales y el sentido teatral de su nuevo hogar.



El más importante de los siguientes encargos de Güell fue la urbanización de un "parque" en las cercanías de Barcelona, en una zona conocida como la Muntanya Pelada. Parece que la primera intención del propietario era tener un parque privado pero cambió de idea y decidió que fuera una "ciudad jardín", con viviendas para gente de clase media. En este sentido, el proyecto fue un fracaso, porque al final sólo se construyeron dos viviendas, en una de las cuales vivió el propio Gaudí y hoy es su Casa - Museo.

Casa - Museo de Gaudí

Gaudí aprovechó los desniveles del terreno para construir caminos con viaductos y puentes. La entrada esta flanqueada por dos pabellones que recuerdan a las casas de los cuentos infantiles. Enfrente de la entrada comienza una escalera muy compleja, de doble rampa, adornada con extraños elementos decorativos. En el centro del parque, está el llamado "templo griego", una sala de columnas, en la que supone iba a situar el mercado de la ciudad jardín. Cada uno de los detalles es único y especial,  y se destaca el espectacular mirador desde el que se puede contemplar toda la ciudad. Su decoración esta hecha a base de pequeños trozos de cerámica coloreados, es la técnica del trencadís de inspiracion musulmana, con la que el arquitecto decoró la mayoría de sus edificios posteriores.


 



Tras el parque, llegó el encargo de la remodelación de la Casa Batlló, cuya fachada Gaudí concibió inspirándose en el espinazo de un dragón.  En los días nublados, los huecos de aire y luz de esta casa hacen como un efecto de fondo submarino. Pero en los días de sol estallan los colores y las formas. En toda la casa no hay una sola línea recta, hasta los techos son ondulados. Se dice que la Casa Batlló representa la leyenda de San Jorge enfrentando al dragón. Esta infinita suma de detalles, cargadas de simbolismos le han dado a sus obras un sello personalísimo e irrepetible.




Después vino la Casa Milà, más conocida como "La Pedrera" por su aspecto de montaña pétrea, la última gran obra civil de Gaudí entre 1906 y 1910, encargo del empresario Pere Milà Camps. Aquí Gaudí proyectó una fantástica vivienda de formas onduladas que remite a un acantilado marino con fachada en piedra calcárea, con la parte superior cubierta de azulejos blancos y da la impresión de montaña nevada.
Se dice que George Lucas se inspiró en su terraza para La Guerra de las Galaxias porque el lugar se asemeja a un desierto con sus dunas y las chimeneas son idénticas a los guerreros imperiales de la saga. Todas sus piedras se tuvieron que tallar ya colocadas porque cada una tenía su sitio determinado. Esto encareció tremendamente los costos pero a los propietarios no les importó, ya que eran conscientes de estar participando en la realización de una obra de arte. La azotea iba a estar rematada con unas esculturas gigantes de la Virgen del Rosario, de San Miguel y de San Rafael, pero tras la Semana Trágica, el señor Milà pensó que colocarlas podría atraer la ira de los obreros, y la casa quedó como un pedestal truncado. No poder colocar las estatuas fue una gran decepción para Gaudí.



Corría el año 1910 y, cansado de servir a la burguesía, decidió abandonar todas sus obras por la realización de una sola, una que había comenzado en el año 1883: la Catedral de la Sagrada Familia. Conocida en aquel entonces como la "Catedral de los Pobres" porque se estaba realizando gracias a donaciones y limosnas.

Catedral de La Sagrada Familia

Su padre y su sobrina ya habían muerto, hecho que lo llevó a dedicarse en cuerpo y alma a la realización de la catedral, retirándose del mundo y viviendo allí mismo, en una casa prefabricada a pie de obra.  También renunció a sus honorarios, utilizando todo el dinero que llegaba procedente de las limosnas en materiales y en pagar a los obreros. Con ello no sólo intentaba que sus proyectos llegaran a buen puerto, sino que, como hombre muy religioso que era, creía estar trabajando para mayor gloria de Dios.

Visión Nocturna de la Catedral

Los planos originales no eran suyos, sino del arquitecto diocesano Francisco de Paula del Villar, pero éste dimitió tras una disputa con el promotor de la obra, el librero José María Bocabella, quien pertenecía a la congregación que pretendía fomentar la devoción a la Sagrada Familia como alternativa a las ideologías socialistas y anarquistas. Martorell, el protector de Gaudí, lo recomendó y en el año 1883 se hizo cargo de de las obras. Tuvo que respetar el estilo neogótico del anterior arquitecto, pero pronto introdujo modificaciones radicales y concibió la catedral como un edificio grandioso y absolutamente original. Añadió multitud de torres cargadas de contenido simbólico: cada fachada tendría cuatro torres por los Doce Apóstoles, la gran torre del cimborrio simbolizaría a Cristo, rodeado por los cuatro campanarios de los Evangelistas; en la cabecera del templo se levantaría la última torre, dedicada a la Virgen.

La Catedral, más de Cerca

Los trabajos progresaron con lentitud, algo que no importaba demasiado al arquitecto porque él pensaba que, al igual que las iglesias de antaño, ésta tenía que ser obra de varias generaciones y cada una tendría que aportar sus propias ideas. A Gaudí sólo le dio tiempo de terminar una de las fachadas del crucero, la del Este, dedicada al Nacimiento de Cristo. Fue atropellado por un tranvía el 7 de junio de 1926 cuando, dice la leyenda, no lo vio venir porque caminaba para atrás, retrocediendo para ver en perspectiva las torres del templo. No llevaba encima ninguna identificación y su aspecto era tan sencillo que los que lo recogieron pensaron que se trataba de un mendigo, por lo que lo llevaron a un hospital de beneficencia. Allí lo identificó un amigo y murió dos días después a los 74 años.
La Sagrada Familia es la obra más grandiosa, extravagante e inabarcable de Gaudí, actualmente su trabajo es visto con admiración pero en su época fue tratado con indiferencia y hostilidad por sus obras osadas y controvertidas. Antoni Gaudí fue enterrado en la cripta y se está estudiando un proyecto para beatificarlo en 2016. Hasta ahora fueron presentados dos milagros, pero uno ha sido rechazado.
Este domingo 7 de noviembre el Papa Benedicto XVI consagrará el Templo al culto y se celebrará misa por primera vez. Hoy en día las obras de La Sagrada Familia continúan a  toda marcha financiadas por corporaciones japonesas y se cree, estaría terminada en 2026. Las once obras de Gaudí en la ciudad fueron nombradas en 1984 como Patrimonio de la Humanidad. Su legado, junto al de otros artistas y arquitectos estrella, transformaron a Barcelona en un auténtico museo al aire libre.